LAS VERDES PRADERAS Reseña: El tedio de la clase media

 Las verdes praderas
Director: José Luis Garci
Reparto: Alfredo Landa, María Casanova, Carlos Larrañaga
Nacionalidad: España
Año: 1979

Quizá está sea una de las películas menos conocidas en la primera etapa del director madrileño, pero me ha sorprendido la crudeza que esconde tras un envoltorio a priori simpático y desenfadado, que guarda en su Interior un relato lleno de amargura y frustración que cuestiona tajantemente el porqué de las cosas, en el estilo de vida de una clase media sumida en el consumismo que ha optado por simplemente existir en lugar de realmente vivir, y lo hace a través del desencanto existencial del matrimonio formado por los personajes de Alfredo Landa y María Casanova, en el desencanto de la vida adulta en una sociedad donde hay que seguir unas pautas establecidas para sentirse parte de ella hasta que los verdaderos sentimientos y la elección de hacer lo que realmente se desea, quedan sepultadas bajo una pila de deudas y el paso del tiempo que inevitablemente nos sentencia antes de haber sentido que se ha vivido.

Una crítica sin concesiones a la clase media de la transición, que más de 40 años después sigue tan vigente como entonces

SOLOS N LA MADRUGADA Reseña: Historias de Transiciones emocionales

Solos en la madrugada
Director: José Luis Garci
Reparto: José Sacristán, Emma Cohen, Fiorella Faltoyano, María Casanova
Nacionalidad: España
Año: 1978

José Sacristán encarna a un locutor de radio incapaz de superar la ruptura con su mujer, sumiéndose en una peligrosa nostalgia que intenta apaciguar con la compañía de una bella joven que irrumpe en su vida de imprevisto, solo para desmoronarla un poco más.

Una historia ambientada en plena transición, con la quietud de la noche Madrileña como escenario perfecto, y la música de Ray Peterson con su inolvidable tema 'Tell Laura I love her' como hilo musical de fondo, en la que el director madrileño nos narra un relato sobre un hombre estancado en el pasado, que debe aprender a mirar hacia delante, dejando de escudarse en el traicionero confort que ofrece la nostalgia, al igual que el entorno en que se mueve, incluido su país, está experimentando una transición hacía un nuevo cambio que puede dejarlo atrás.

Muy buena

LA SERPIENTE EN LA SOMBRA DEL AGUILA Reseña: El clásico que lanzó a Jackie Chan al estrellato

 

Snake in the Eagle’s shadow (蛇形刁手)

Director: Yuen Woo Ping

Nacionalidad: Hong Kong

Año: 1978

 

Zafándose por unos días de las garras del infame Lo Wei, con quien estaba bajo contrato cavando su tumba como actor, coleccionando fiasco tras fiasco, Jackie Chan encontró cobijo en otra compañía rival bajo el amparo del genial Yuen Woo Ping, uno de sus compañeros de la escuela de ópera de Beijing, para los que protagonizó esta película que lo lanzaría al estrellato que tanto había ansiado, esta vez bajo sus propios términos, mostrando cuál era su personalidad, y a pesar del éxito, aún le costaría librarse de las cadenas de Lo Wei… Pero esas son otras historias de gangsters y gente muy malaje, para lo que estoy aquí es para darles una reseña sin mucha complicación de lo que me ha parecido la película, y lo cierto es que tras haberla visto cientos de veces, aún la sigo disfrutando como la primera vez. Una genialidad del género de kung Fu  cómico que por aquel entonces estaba en efervescencia, con un joven Jackie Chan hambriento de gloria y un Yuen Woo Ping que tras las cámaras supo sacar lo mejor del astro…

En esta divertida aventura, Chan encarnaba una versión algo cómica de Wong Fei Hung, un héroe recurrente del cine de Kung Fu al que había hecho popular Kwan Tak-hing en casi un centenar de películas rodadas entre entre las décadas de 1940 y 1980, y que mas tarde supondría el espaldarazo definitivo al estrellato de otro astro del cine marcial como es Jet Li, en la imprescindible saga, "Erase una vez en China:"

"La serpiente en la sombra del aguila" destaca por sus escenas de acción apabullantes e imaginativas, al servicio del humor, en las que Jackie Chan hace alarde de sus increibles habilidades, muy bien secundado por el gran Yuen Siu-tien, padre del director, y mentor en la ficcion del personaje de Chan, como el genial e inolvidable maestro borracho, con quien repetiría en el siguiente éxito de Chan, la secuela inconfesa, y hermana mayor de esta también dirigida por Yuen Woo Ping,  "El Mono Borracho en el Ojo Tigre", contando en ambas con un villano de lujo como era Hwang Jan Lee.

 

La suma de todos estos elementos que coincidieron en el momento perfecto, nos dieron al publico una de las películas más importantes del cine de artes marciales, brindando al mundo al que se ha convertido por derecho propio en la estrella del genero mas importante después de Bruce Lee, el incombustible JACKIE CHAN.

Borsalino Reseña: Clasico del cine de gangsters que reunio a dos leyendas del cine francés

 

Borsalino
Director: Jacques Deray
Reparto: Alain Delon, Jean-Paul Belmondo
Nacionalidad: Francia
Año: 1970

Durante décadas, Delon y Belmondo fueron los reyes de la taquilla en Francia, llegando incluso a rivalizar por el favor del público en su madurez con su incursión en el cine de acción, sin embargo, siempre fue una rivalidad sana, ya que los astros siempre guardaron una buena relación de amistad detrás de las pantalla hasta el día de la muerte de Belmondo hace pocos años, e incluso compartieron cartel en más de una ocasión.

Borsalino es probablemente la película en la que participaron juntos más recordada y querida por el público, una historia de gangsters ambientada en la Marsella de los años 30 (iba a escribir "la peligrosa Marsella de los años treinta, pero me temo que la Marsella de hoy en día debe ser aún peor ) en la que los dos astros encarnan a dos rateros de poca monta, que se unen para realizar trabajos para los gangsters locales con la idea de ascender y labrarse un nombre por si mismos.

Inspirada en unos gangsters reales que colaboraron con los Nazis durante su ocupación de Francia, la película acaba siendo una muy divertida historia de gangsters donde el dúo protagonista hace gala de una química tremenda en pantalla donde ambos comparten el mismo protagonismo. Como era de esperar en dos divos así, hubo tensión durante el rodaje, sobre todo siendo Delon el productor de la misma, provocó que Belmondo exigiese tener el mismo número de primeros planos que su compañero, tras el estreno de la cinta, la cual triunfo en todo el mundo excepto en Estados Unidos, país que por alguna extraña razón siempre se le resistió a Delon, Belmondo llevo a Delon a los tribunales por incumplimiento de contrato en la forma en que sus nombres aparecen en los créditos iniciales... Las estrellas y sus egos...
Supongo que años después se reirían de todo esto, porque como les he contado al principio de esta reseña, siempre se llevaron bien...

Muy buena

ZAPATONES (Piedone l'egitto) Reseña: Ultima aventura del comisario Rizzo en tierras egipcias

 Piedone d'Egitto
Director: Steno
Reparto: Bud Spencer, Enzo Cannavale, Baldwin Dakle,
Nacionalidad: Italia
Año: 1980

Cuarta y última aventura del comisario Rizzo, quien está aventura volvió a estar acompañado de su fiel escudero, el agente Caputo, además de Bodo, el pequeño niño africano que el comisario adoptó en su aventura africana. El niño japonés al que adoptó en la segunda entrega, no se le vuelve a mencionar, supongo que se quedaría con los marinos americanos

En esta ocasión, Rizzo abandona su querida Nápoles para viajar a Egipto, tras ser contratado por un magnate millonario para rescatar a un estrafalario científico que dice haber descubierto una especie de escarabajo extraña capaz de descubrir donde se esconde el petroleo.

La más floja de la cuatrilogia, siempre fue la película de la saga que menos veces recuerdo haber visto, de hecho, no la vi completa desde el principio hasta que no la editaron en DVD por primera vez, anteriormente siempre la había pillado empezada en televisión.
Aunque sigue las mismas pautas que sus predecesoras, las situaciones y la comedia no llegan a ser tan hilarantes, pero a pesar de eso, es una entrega muy digna que no desmerece y su único pecado es estar precedida por tres fantásticas entregas impecables... Desconozco los motivos por los que la saga llegó a su fin, supongo que la agenda del actor no lo permitiría, pero hubiera sido interesante haber podido tener más entregas del comisario Rizzo, viajando a lugares como New York, Madrid o quizá Río de Jaineiro...Ahora solo podemos imaginarlo o crearlo con IA

Muy buena

¡PUÑOS FUERA! Reseña: De Hong Kong a Africa, tercera entrega de las inolvidables aventuras del comisario Rizzo

Piedone L’Africano
Director: Steno
Reparto: Bud Spencer, Enzo Cannavale, Joe Stewardson
Nacionalidad: Italia
Año: 1978

Tras su aventura por tierras asiáticas, para esta tercera aventura Bud Spencer en la piel del inolvidable comisario Rizzo volvió a hacer las maletas para esta vez viajar hasta Sudáfrica para atrapar a una banda de narcotrafricantes que operaba desde el país africano.

El resultado es una muy divertida tercera entrega en la que el bueno de Bud se abre paso con ingenio y la ayuda de sus mamporros, esta vez acompañado de su compañero policía Caputto, y un niño africano que sustituye al niño japonés que le acompañó en su aventura hongkonesa, ya que el bueno del comisario Rizzo además de deshacer entuertos, también acogía huérfanos, y eso que su sueldo de policía sólo le daba para vivir en una pensión de mala muerte frecuentada por rateros y gente de mal vivir

Durante el rodaje de la película estaba aconteciendo el apartheid en Sudáfrica y existe la anécdota de que Spencer se negó a comer en un restaurante, después de que al niño de la película se le negase la entrada al restaurante por su color de piel, aquel incidente provocó que Spencer fuera amenazado por la policía con expulsarle de país si volvía a actuar así, supongo que en la ficción lo hubiera resuelto a mamporros, pero el mundo real es mucho menos justo, y tiene menos sentido que en las películas.

Dejando atrás los sinsabores de este absurdo mundo en el que vivimos, esta aventura africana siempre me ha encantado y es una de esas películas que atesoró desde la niñez.

PIES GRANDES (Piedone a Hong Kong) Reseña: Primera secuela de las aventuras del Comisario Rizzo

 Piedone a Hong Kong
Director: Steno
Reparto: Bud Spencer, Al Lettieri, Enzo Cannavale, Daygolo, Nancy Sit, Robert Webber
Nacionalidad: Italia
Año: 1975

Esta primera secuela de las cuatro películas que conforman las aventuras del comisario Rizzo siempre ha sido una de mis películas favoritas en la extensa y mítica filmografía del genial Bud Spencer. Un brillante polizesco en el que este comisario Napolitano amigo de rateros del tres al cuarto y servidor del pueblo en lugar del sistema, emprende un largo viaje al lejano oriente llegando a Hong Kong haciendo escala en Bangkok y Macao para desmantelar una red de narcotrafico internacional y desenmascarar a un policía infiltrado que actúa como topo para los maleantes.

A pesar de que el comisario en sus propias palabras confiesa que no ha salido de Nápoles en veinte años, parece desenvolverse como pez en el agua en el lejano oriente, abriéndose paso con su ingenio y haciendo justicia con sus puños, llegando incluso a tener un inolvidable enfrentamiento en Hong Kong con un puñado de especialistas Hongkoneses donde pueden verse muchas caras conocidas para los fans del género, convirtiendo dicha escena en uno de los puntos fuertes de este fantástico filme. Aunque más que un film, es un viaje audiovisual que sabe aprovechar muy acertadamente todas las localizaciones exóticas donde transcurre la acción.

Inolvidable

EL SUPER POLI (Piedone lo Sbirro) Reseña: La primera aventura del comisario Rizzo

 

Piedone lo Sbirro
Director: Steno
Reparto: Bud Spencer, Enzo Cannavale, Salvatore Morra, Adalberto María Merli
Nacionalidad: Italia
Año: 1973

Siempre es una gozada volver a revisitar esta saga de películas en las que el incombustible Bud Spencer encarnó al Comisario Rizzo, un policía de Nápoles al servicio de la gente y no el sistema, que protagonizaria unas cuantas secuelas alrededor del mundo resolviendo casos ayudándose de su ingenio y sus puños, regalando a los espectadores unas cuantas lecciones morales con mucho mas valor que lo que se enseña en la escuela.

En esta primera entrega, el comisario Rizzo se enfrenta a una banda de narcotraficantes que está llenando de droga las calles de Nápoles. Los espectadores nos convertimos en su única compañía en esta arriesgada misión, recorriendo las calles de la ciudad, en el ya muy lejano 1973, y es que antes de la llegada de Maradona, el comisario Rizzo, fue el primer salvador de esa ciudad.

Clasicos del cine Europeo: EL DIA DE LA LECHUZA Reseña: Peleando contra la ley del silencio

 

The Day of the Owl AKA Mafia (IL Giorno della Civeta)
Director: Damiano Damiani
Reparto: Franco Nero, Claudia Cardinale, Lee J. Cobb
Nacionalidad: Italia
Año: 1968

Hacía años desde la primera y única vez que había visto esta película, y sin embargo, a pesar de la mala calidad de la copia en la que la había visto, su recuerdo jamás se ha difuminado de mi mente, y la recordaba como si la hubiera visto ayer.

Basada en la novela homónima de Leonardo Sciascia, Franco Nero encarna a un joven carabinieri que llega a un pequeño pueblo dominado por la ley del silencio, en el que impera la ley impuesta por un gangster local, interpretado por un fantástico Lee J. Cobb, que curiosamente encarna a un villano parecido al que había encarnado una década antes en una de mis películas favoritas, La ley del silencio, como antagonista de Marlon Brando, bajo la dirección de Elia Kazan...

Lo cierto es que está película proyecta un mensaje tan real como pesimista, advirtiéndonos de que no es prudente enfrentarse al poder, y que la consecuencia de atreverse a hacerlo siempre estará ligado al fracaso, pero por otro lado, el director muy hábilmente logra captar la atención del público, que además por aquel entonces era más agradecido y sobre todo entregado, con un filme magistralmente dirigido, con un Nero muy bien desenvuelto en un papel más serio de lo que por aquel entonces solía hacer, y una claudia que a pesar de estar doblada por otra actriz, muestra su apabullante carisma, su presencia, pero sobre todo su talento como intérprete, construyendo un personaje lleno de rabia y dolor, a la que no le queda más remedio que aprender a vivir en un ambiente hostil...

Una pequeña joya

Clasicos del cine europe: EL DESPRECIO Reseña: Una reflexión sobre el arte y el amor

 

 

 

Contemp (Le Mepris)
Director: Jean-Luc Godard
Reparto: Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance, Fritz Lang, Georgia Moll
Nacionalidad: Francia
Año: 1963

No hay termino medio para mí con Godard, o me entusiasma, o me deja frío, y contra todo pronóstico, está película que aún tenía pendiente de su filmografía ha conseguido encadilarme con su reflexión sobre el amor, el dinero y el arte...

Basada en una novela homónima de Alberto Moravia, el director francés probablemente hace el relato completamente suyo, para crear una meta historia donde un productor de Hollywood (Jack Palance) descontento con el resultado de una nueva adaptación de la odisea que está produciendo con Fritz Lang en la silla del director (curioso ver al mismísimo director interpretándose a si mismo) decide contratar a Paul Java (Michel Piccolini) un dramaturgo, para que corrija el guión. Esto provoca un inesperado vuelco en la vida del escritor en donde su matrimonio con su bella mujer, Camille, (La Bardot en todo su máximo esplendor) empieza a peligrar cuando el productor comienza a interesarse por ella.

Como era habitual en el cine del director, los personajes deambulan frente a la pantalla divagando sobre sus dudas existenciales, buscando en su arte la manera de descifrar sus sentimientos en la vida real. Godard muestra mucha maestria creando una atmósfera absorbente para arrastrar al espectador hacia ese matrimonio mal avenido, para convertir algo tan mundano y rutinario como una crisis de pareja en una bella pieza de arte que merece ser conservada...

Clásicos inolvidables: LA VIACCIA: Desgarros emocionales en celuloide

 

La Viaccia
Director: Mauro Bolognini
Reparto: Jean Paul Bemondo, Claudia Cardinale
Nacionalidad: Italia
Año: 1961

Es una gozada poder ver en calidad suprema estos clásicos del cine europeo que me fascinaron en la adolescencia.

De las muchas películas que Jean Paul Belmondo y Claudia Cardinale protagonizaron juntos esta siempre fue mi favorita… Aquí aún quedaban unos años para que Belmondo se convirtiese en posiblemente la mayor estrella del cine de acción Galo, pero ya era la cara más visible de la nouvelle vague y el muso de Godard . por su lado, Claudia comenzaba a despuntar como una de las mejores actrices europeas, y eso a pesar de que en estos primeros años de su carrera los productores se empeñaron en doblar su voz ronca y melosa, tan distintiva y única que para mí como cinéfilo siempre me ha parecido uno de sus atributos más especiales, tuvo que llegar Fellini y ser el primero en otorgarla la oportunidad de aparecer en pantalla con su propia voz… Por algo era un genio…

Basada en una novela de Mario Pratesi, la película gira en torno a Amerigo (Belmondo) el hijo de una familia de campesinos que viaja a Florencia con la intención de trabajar para su tío quien acaba de comprar las tierras del patriarca de la familia, sin embargo, la vida en la gran ciudad le lanza a una espiral de autodestrucción cuando Amerigo se enamora sin remedio, ni solución de una bella prostituta (Cardinale) que le lleva por el camino de la amargura.

Una película injustamente poco recordada, que muestra la gran maestría de Bolignini para plasmar en pantalla el pesimista desgarro emocional de unos personajes que acaban volviendo heridos al lugar del que habían estado huyendo. Es un filme directo y sin concesiones, hecho e interpretado con maestría de los que conmueven, emocionan y hacen reflexionar a la vez…

Una joya

CINE OLVIDADO: MALA RACHA Reseña: Notable debut tras las camaras de José Luis Cuerda

Mala Racha
Director: José Luis Cuerda
Reparto: Sancho Gracia, Terele Pavez, Eufemia Román, Tito Valverde, Miguel Rellan, Antonio Garisa, Manuel Zarzo
Nacionalidad: España
Año: 1977

Sancho Gracia encarna a un boxeador en decadencia que es reclutado por una agencia de representación de dudosa calaña, que reúne a un grupo de boxeadores bajo un mismo techo, donde conviven y entrenan para después competir entre ellos en el torneo organizado por la misma agencia. Cuerda prediciendo The ultimate Fighter, 20 años de que el UFC lo pusiera en marcha Aunque en este torneo, las peleas son a muerte, lo que provoca en nuestro protagonista un dilema moral con el que deberá batallar antes de subir al cuadrilátero, a la vez que también lidia con el triángulo amoroso que mantiene con una madre y su hija… Los hay que les gusta complicarse la vida…

Ópera prima de José Luis Cuerda, quien también se encargó de escribir el guion, para un film hoy en día completamente olvidado, y completamente sepultado por la fulgurante carrera llena de éxitos que posteriormente llegó a tener su realizador hasta el fin de sus días, esta “Mala Racha” es un oscuro y pesimista film que gira en torno al mundo del boxeo y sus cloacas más oscuras, presentando a un personaje cínico, amoral y a veces incluso pendenciero, con el que no podemos más que empatizar por su voluntad de buscar el éxito en una constante espiral de fracaso que lo envuelve.

Sancho Gracia suple sus más que obvias carencias pugilísticas en las pocas escenas que tiene sobre el cuadrilátero con su presencia, su carisma y su talento como actor, viéndose arropado por un nutrido grupo de grandes actores de la época, siendo Miguel Rellan el que más me ha sorprendido encarnando a un personaje que es idéntico al personaje con problemas mentales que aparecía en Million Dollar baby de Clint Eastwood, casualidades del cine

Muy oscura y sórdida pero a la vez muy interesante, quizá unas cuantas escenas de boxeo más le hubieran venido bien   

LA CHICA CON LA MALETA (LA RAGAZZA CON LA VALIGLIA) Reseña: Cuando el cine no era solo grande, sinto también gigante

 

 

  Girl with a Suitcase (La Ragazza con la Valigia)
Director: Valerio Zurlini
Nacionalidad: Italia
Año: 1961

  

Es difícil encontrar una película en la que se haya representado de mejor manera el amor verdadero. 

Un amor cargado de rabia envenenado por los celos ante la imposibilidad de lograr que se haga realidad. Un amor puro y lleno de verdad, con los que se sufre y dejan huella para toda la vida.

Valerio Zurlini nos sumerge en esta historia de romances imposibles en la que seguimos las andanzas de Aida (encarnada por mi actriz favorita, la única e irrepetible Claudia Cardinale) una bailarina que después de dejar a su novio por un adinerado aristócrata, acaba siendo abandonada por este, viéndose sola y sin rumbo en una ciudad desconocida. pero Aida no desiste y tras buscar al aristócrata, se topa con Lorenzo (Jaques Perrin) el hermano pequeño adolescente del tipejo que la ha plantado, quién hechizado por la belleza de la mujer e intoxicado por los traicioneros influjos del amor, se convierte sin pensarlo dos veces, en su mecenas y mayor protector.

Zurlini logra que nos posicionemos en el lugar del protagonista, sintiendo su intoxicación amorosa, pero también su sufrimiento y desvelos hacia la protagonista.

A través de cómplices miradas, susurros, gestos y reproches, la historia va trazando una fábula romántica carente de esperanza, en un bello lienzo fílmico en el que cada nuevo visionado se descubre algo nuevo, en el que los certeros trazos de la angustia y la desesperanza de sus personajes nos brindan una bella puesta en escena cargada de poesía visual para regalarnos una pequeña obra maestra que nos recuerda lo grande que es el cine…

 

 

THE BIG BOSS (Mandarin Cut) Reseña: Fea por fuera, pero deliciosa por dentro

 

 

 

 

 Finalmente pude poner mis zarpas en el montaje mandarín de este primer clásico de Bruce Lee, la cuál fue probablemente la versión que se vio en los cines en su estreno en el 71, 

 incluyendo su doblaje en  

 mandarín, ya que era el idioma dominante en las películas chinas hasta 1973, hasta que el clásico de Chor Yuen, "La casa de los 72 inquilinos", cambió el panorama situando al cantonés como idioma dominante en el Mercado chino. Este montaje incluye diez minutos adicionales, que van desde algunas escenas adicionales de Chen Chao An (Bruce Lee) con sus primos, otra en la que James Tien y Bruce Lee en un oscuro callejón escapan con un gran salto de dos carros desbocados lanzados contra ellos,

 Chen Chao An clamando venganza. en el lago después del asesinato de sus primos, o una visita adicional al burdel de Chen Chao An antes de su enfrentamiento final con el gran jefe, pero no hay secuencia de peleas adicionales y aún no hay rastro de la infame secuencia de la "sierra en la cabeza", que parece haberse perdido para siempre. 

 Una película que empezó como un vehículo para James Tien y que acabó siendo el papel decisivo para Bruce Lee. Una historia violenta, cruda y llena de sordidez que la deslumbrante presencia de Bruce Lee elevó a la inmortalidad y que, como solía describirla Lo Wei, era como una sandía, fea por fuera pero sabrosa por dentro.

  

AVISA A CURRO JIMENÉZ Reseña: Cuándo el bandolero mas famoso de España asaltó los cines

                                                       Avisa a Curro Jiménez
                                            Director: Rafael Romero Marchent
                                                 Nacionalidad: España
                                                              Año: 1978

Era inevitable que con el éxito que la serie había cosechado en televisión, Curro Jiménez y sus compinches asaltasen el mundo del cine, y así lo hicieron en ese ya tan lejano 1978, llegando a caballo a la premiere en Gran Vía, ataviados con la ropa de sus personajes, cabalgando juntos, aún sin saberlo, por última vez... Aunque casi veinte años después, Sancho Gracia intentaría reverdecer laureles con una secuela tardía, de la que desconocía su existencia hasta hace poco, estrenada en la por aquel entonces joven antena 3, con Álvaro de Luna repitiendo como el algarrobo, pero sin Pepe Sancho repitiendo su papel del estudiante, y que cómo suele ocurrir con este tipo de productos estrenados a destiempo, cayó irremediablemente en el olvido más absoluto. Aún así, tengo curiosidad por descubrirla.

Tampoco había visto con anterioridad está película estrenada al rebufo del éxito televisivo, y debo decir que me ha decepcionado un poco el que no continúe cronológicamente con lo ocurrido en el último episodio de la serie, más bien la trama se sitúa en algún lugar entre el final de la primera temporada y el comienzo de la segunda, ofreciendo un resultado inferior al visto en televisión, con una historia que gira en torno a Curro y sus secuaces intentando recuperar un libro que esconde un tesoro. Una trama que podría haber sido la de cualquier episodio menos relevante que carece de la espectacularidad y la acción que cabría esperar en su primera aventura cinematográfica. Por suerte, su último acto se apresura en ofrecer todo lo que se esperaba, incluyendo una excitante pelea a navajazos al ritmo de flamenco y la bellísima Sara Lezana bailandole a la muerte. Una escena de lo más memorable que merece ser considerada como uno de los mejores momentos en el universo del personaje.

A pesar de mis quejas, me ha parecido una digna aventura, Curro Jiménez es una serie icónica, única e irrepetible, y como he escrito antes merecía una despedida mucho más a lo grande, pero leyendo algunos artículos de la época, siento que los productores esperaban continuar explotando al personaje en el cine. Supongo que los egos y las rencillas entre los actores no lo hicieron posible, pero de todos modos, el último episodio de la serie ponía un broche de oro a la historia

EL TURISMO ES UN GRAN INVENTO Reseña

 

                                                El turismo es un gran invento
                                                Director: Pedro Lazaga
                                                Nacionalidad: España
                                                        Año: 1968

 

Si hubo una lección que Paco Martínez Soria nos dejó a los espectadores, fue la de siempre persistir y nunca rendirse en la búsqueda de las metas, y es que a pesar de haber sido un actor y empresario teatral de éxito, el mundo del cine parecía resistirsele, ya que no fue hasta los 65 años de edad y de la mano del también genial Pedro Lazaga, que no consiguió que las puertas del cine se le abrieran completamente, brindándole ese éxito que durante años le había esquivado .

Tengo recuerdos de disfrutar de sus películas desde que tengo uso de razón, incluso mucho antes de ser consciente de mi cinefilia. Lo cierto es que siempre me ha parecido un artista genuino, con un carisma arrollador, y una personalidad que lo hacía un actor único e irrepetible, y que en cierta medida, había creado un género para si mismo.

Hacía años que no había vuelto a ver esta película, pero la recordaba como si la hubiera visto ayer mismo. Como la mayoría del cine que se producía en aquella época en España, la película es un reflejo de la sociedad de la época. En esta ocasión, la trama gira en torno al incipiente desarrollo del turismo en el país, situando la acción en un pequeño pueblo de Aragón, en la que un alcalde que sueña a lo grande, busca convertir el pueblo en un gran destino turístico…

Todo deriva en una sucesión de disparatadas situaciones en la que somos testigos de cómo los alocados planes del alcalde arrastran al resto del pueblo a formar parte y sobre todo a financiar, las locas ideas que guarda bajo la boina el divertido alcalde…

Genuina y divertida, la película acaba siendo una gozada hecha a medida de su protagonista al que arropan un puñado de actores de la talla de José Luis López Vázquez, Rafael López Somoza o Antonio Ozores, y que de la manera más desenfadada nos ofrece una visión de un fenómeno emergente como era por aquel entonces el turismo, que visto hoy día con toda esta insufrible globalización podría dar para una secuela llamada, ‘El turismo no es un gran invento"

30 Jours Max Reseña: Desenfreno a la Francesa

 

 

30 Jours Max
Director: Tarek Boudali
Reparto: Tarek Boudali, Philippe Lacheau, Julien Arruti, Vanesa Guide, José García
Nacionalidad: Francia
Año: 2020

 

Las reuniones de esta troupe son siempre sinónimo de calidad y diversión, en esta gamberrada de 2020, Tarek Boudali quiso traer algo de luz al mundo que por entonces andaba lidiando con el virus de procedencia desconocida, y regaló a su público una descacharrante comedia de acción acompañado del genial Philippe Lacheau y el resto de la panda, en la que Boudali encarna a un patoso policía incapaz de declararse a su compañera, y al que un médico algo ceporro diagnóstica erróneamente 30 días de vida, es entonces cuando nuestro protagonista decide por fin ser el mismo y vivir sin importar las consecuencias .

90 minutos de desenfreno cargado con hilarantes dosis del humor más bizarro y unas escenas de acción muy trepidantes que han saciado con creces mis expectativas. Al igual que en Nicky Larson, me ha hecho ilusión ver al ex-luchador francés de K-1, Jerome Lebanner, haciendo un pequeño papel como delincuente. Era una de las grandes estrellas de la era dorada del K-1 en Japón y siempre fue una gozada verle pelear.

Volviendo a la película, este fin de semana se estrena su secuela en cines españoles, así que espero poder verla 

 

 

HASTA EL FIN DEL MUNDO Reseña: Deconstruyendo el western a través de un romance empañado por la venganza y salvado por el perdón

 

 

 The Dead Don't Hurt
Director: Viggo Mortensen
Reparto: Viggo Mortensen, Vicky Krieps
Nacionalidad: USA
Año: 2023

Como un hombre orquesta empeñado en contarnos una historia auténtica en pantalla grande por encima de los artificios del descorazonador paronama del cine actual, el talentoso Viggo Mortensen produce, dirige, escribe, e incluso compone la banda sonora de este western que gira en torno a su protagonista femenina, desmitificando toda la glorificación del salvaje oeste, en una película de continuos saltos temporales que a priori pueden resultar algo confusos, pero que acaban resolviéndose como si de un perfecto rompecabezas se tratase, llevando a la pantalla una emotiva historia de amor mancillada en un mundo de violencia e injusticia, que desemboca en un relato sin concesiones sobre el amor, la venganza y el perdón.

 

KEOMA Reseña: Un violento western con momentos oniricos

 

 

 

                                                             Keoma
                          Director: Enzo G. Castellari
                             Nacionalidad: Italia
                                      Año: 1976

Creo recordar haber leído en algún sitio que de todas las películas que Castellari había rodado esta era su favorita. Estrenada cuando el spaghetti western daba sus últimos coletazos, el director nos brindaba un deprimente relato que ponía en pantalla los más oscuros recovecos del alma humana, en una historia protagonizada por Keoma (Franco Nero) un mestizo que retorna a su hogar tras combatir en la guerra de sucesión, encontrándose con un lugar oprimido por una despiadada banda que niega al pueblo el acceso a los servicios básicos y a las medicinas para enfrentarse a la peste que les azota. A la vez que se verá a si mismo en la obligación de ayudar a una mujer embarazada repudiada por los pueblerinos tras acusarla de estar infectada, y se verá enfrentado a sus hermanastros, que le odian por ser mestizo.

Castellari logró un admirable ejercicio fílmico dónde jugó con lo onírico en los múltiples flashbacks donde conocemos el pasado de los personajes, a la vez que llenaba la pantalla de violencia (copiando incluso las imágenes a cámara lenta que Peckinpah haría populares) con una banda sonora creada por los hermanos De Angelis, incluyendo canciones a lo largo del metraje que van relatando al espectador lo que estamos presenciando como si se tratará de unos cronistas trovadores .

Peliculon